Dialogue between Kate Squires and Peter Winkels, July 2010 Berlin

Dialogue between Kate Squires and Peter Winkels, July 2010 Berlin

Peter Winkels: Kate, you and I share the experience of working in the field of art education for cultural institutions of some renown: you for the Whitechapel Gallery and Camden Arts Centre and me for the Haus der Kulturen der Welt. Our role was to open these institutions for a larger audience, for communities that in general don’t go to art shows..On the podium in Ballhaus Nauynstrasse you talked about a conflict of values.

Kate Squires: The first project I worked on at the Whitechapel began with an exhibition by Franz West which included pornography. This was during Ramadan and the project (which had already been organised), was to work with a community organisation supporting South Asian girls and woman. Although we ended up using a nearby exhibition to work with instead, I think that often there are conflicting issues between the institutions mission statement and the reality of what we do within our role. To develop new audiences and local community dialogues can often clash with the structure and operation of the institution. Also, we work from values that tend to be liberal and middle-class values, these values are not always shared by the people that we work with. We are in a situation of power to choose who we work with and to raise issues and themes we think are important. Through these projects we can be accused of imposing values.
If we look at the role of the institution, I think that it must be concerned with ensuring that as a publicly funded organisation it should be open to everyone. Therefore, it has to think about the barriers that exist and try and address these barriers. If you think about the role of art in these terms you immediately politicize it.

Peter Winkels: Let me follow your argument that lowering the barriers that might keep certain groups of audience away from art institutions is a political obligation. As soon as you do this you have to work in a participatory mode. By this I mean the development of programmes and formats that include people actively in the programme structure of the institution and give them the opportunity of self-expression alongside the art you show. In the programme On Rage we designed a kind of aesthetic research looking for groups in the city that might have to say something on the issue and that might add voices to the philosophical discourse and artistic works in the Haus der Kulturen der Welt. The argument inside the institution which unfolded was not about what these people might have to say about the rage in our society, but where to present the artistic presentation of the aesthetic research. How far should it be away from the exhibition proper?

Kate Squires: The institutions are deciding who will be represented here and who will not be represented here. The fact that the research is made after the exhibition is put together means that people can respond but not be in a position of power to influence.

Peter Winkels: Yes, the legitimate share of public space is at stake here. But what I doubt is that the institution is aware of the fact that its decision on space is a political one. Moreover, it seems that there is a certain lack of knowledge in the white middle-class segment of our society – and that’s the class where the majority of decision makers in our cultural institutions come from –(hier muss breiter Typo-Strich hin) about how the other half lives. In Germany, this middle-class thinks that it is THE SOCIETY, and, therefore, being poor or being extremely rich is anti-social. Rich and poor, for them are mere abstract terms and they don’t have any contact with either group. So their only question is: why can’t they be like us?

Kate Squires: Yes, again coming back to a dominant set of values.

Peter Winkels: To achieve participation you have to build reliable partnerships with schools, community centres, individuals, and so forth. How did you do/manage this in the Whitechapel Gallery?

Kate Squires: You build these contacts and develop trust and real dialogue and then you leave the institution and these partners are suddenly knocking on the window from outside. The aim was to try and be fair and strategic in terms of who we worked with and how. So to put together a list of community centres and social agencies, youth centres, etc. that came from discussions with local representatives. We would work with those groups and evaluate how it went at the end of each year. Then there was a forum for community leaders, social agencies, youth programme leaders, care workers etc. It was a way to develop a long-term dialogue. The idea was to get an overview of the neighbourhood so that the approach was more holistic. There were different points of access, both short introductory sessions and long term partnership projects. There was always an aim of the group coming back and using the place as a resource and individuals going on to access other projects (i.e.: families projects, youth programmes, adult talks, etc.). So there would be a holistic approach. The work with schools and communities is important to link. Because although you have good relations with schools or individual teachers the classes changes every year, the kids move on and then that link is broken.

Peter Winkels: Our work still is pretty much concentrated on keeping up a connection to institutions and less with individuals. Thinking about it, this is a shortcoming. In some respect it is also due to the many different projects in the Haus der Kulturen der Welt: theatre, music, literature, exhibitions, and a variety of social and philosophical issues. With two programme formats we try to steer away from the short-breath production: We have a radio laboratory where people of all age groups learn how to produce a radio show. This show covers the programme of the Haus der Kulturen der Welt, but the participants can make up their own features. We do now have a sort of fan club of people who attend more than once and also produce their own shows with our partner Klubradio unlimited who owns the studio. The other one is the choir, about 35 people from 18 to 75 years old from all different social and cultural backgrounds. They work together with musicians that are invited to the Haus or produce their own shows for the festivals or special occasions, like the reopening of the Haus der Kulturen der Welt in 2007 or its 20th birthday in 2009.

Kate Squires: The institutions I have worked with tend to show solo or group artist shows rather than themed exhibitions. So there is not this big political question like you had with On Rage. In the education team we would use our knowledge (draw from long term partners), to think of issues in the exhibitions that might be pertinent to the local constituency that we work with. We would then invite those groups that we worked with closely already or that we are developing a relationship with, to come to an opening introduction and talk further then about opportunities for collaboration. The important issue was to develop the project together rather than with a top down approach, this means longer term collaborations. This is not easy (in terms of funding and logistics). Then there comes this conflict we talked about earlier in which the power of influence from the outcomes and thoughts and responses of the groups doesn’t influence the modes of production of the institution.

Peter Winkels: The thing of long-term commitments – whether it is with schools or social groups and associations – is always a thing about how open the institution itself is structured. If the mode of curating and producing is not a holistic and democratic one, then all the effort of building relations “to the world outside” is laid upon the education programme. And from my experience this can end as a fig leaf, like: “Look at the nice show the kids put up, and now, ladies and gentlemen, for something completely different.”

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Kulturelle Praxis – gesellschaftliche Wirkung?

10–11 Uhr: Podium 1

Bürgerbeteiligung, Empowerment, Teilhabe: Akzentuierung der Diversität kultureller Positionen

Wie können sich künstlerische Prozesse sozial wirksam einschreiben? Werden Selbstermächtigungsprozesse angeregt und Identitätszuschreibungen aufgelöst? Welche Bedürfnisse haben die Teilnehmenden? Aus nationaler wie internationaler Perspektive wurden Motivationen, Ansätze und Methoden einer künstlerischen Praxis, die auf soziale und politische Wirkung zielt, ebenso diskutiert wie ihre Funktion im Rahmen von Projekten kultureller Bildung.

Ort: Ballhaus Naunynstraße, Naunynstraße 27, 10997 Berlin

Ein Zusammenschnitt des ersten Podiums ist hier zu sehen. Drei Cluster werden thematisiert. Cluster 1: Selbstverständnis/Rollen-/Aufgabenverständnis, Cluster 2: Hat kulturelle Praxis eine gesellschaftliche Wirkung? Cluster 3: Funktion und Wirkung von Kunst?

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Kurze Zusammenfassung von Silke Feldhoff

Marina Sorbello eröffnete das Gespräch mit der Bitte an alle Teilnehmer_innen, sich und ihre Projekte kurz vorzustellen und zu der Frage Stellung zu beziehen, ob und wenn ja, wie sich künstlerische Prozesse sozial wirksam einschreiben können.

Den Auftakt machten Veronika Gerhard und Volkan T.,von der akademie der autodidakten, einem Projekt des Ballhaus Naunynstraße. Nach einer kurzen Einführung in ihre Arbeit und ihr Selbstverständnis lenkten sie das Gespräch sehr schnell auf den Bildungsauftrag von Schulen, der defizitär umgesetzt würde, und auf die Frage, ob kulturelle Bildung dort unterstützend (rettend?) zur Seite stehen könne. Dieser Faden wurde von Bettina Busse, Kulturamt Neukölln, in ihrer Funktion als jemand, der Kooperationsprojekte von Schulen und Künstler_innen initiiert, konzipiert und koordiniert, aufgegriffen. In Opposition zur Position der akademie der autodidakten begreift sie ihren Auftrag darin, Themen und Rahmen vorzugeben, innerhalb derer Schüler_innen und Künstler_innen agieren und lernen können und sollen sowie darin, einen bestimmten Wissens- und Wertekanon weiterzugeben. Bettina Busse formulierte die Idee einer „guten Koexistenz“ zwischen Schüler_innen, Lehrer_innen und Künstler_innen, wozu es allerdings Zeit, Kraft, Arbeit und Kontinuität bedürfe, Faktoren, an denen es oft mangele. Ökonomische Aspekte thematisierte sie dabei nicht explizit.

Peter Winkels, Kulturmanager und Geschäftsführer der Agentur next, die u.a. mit dem Haus der Kulturen der Welt kooperiert, knüpfte in seiner Eigenpräsentation direkt an eine an Bettina Busse adressierte Frage der Moderatorin an, ob nämlich Künstler_innen oder Kulturinstitutionen das ersetzen können, was an kultureller Bildung früher an Schulen stattgefunden habe – eine Frage, die er direkt und entschieden verneinte. Den angenommenen Anspruch, bildungspolitische und schulorganisatorische Defizite durch Kunstprojekte aufzufangen, wies er entschieden zurück mit dem Hinweis darauf, dass dieser sowohl „die Schule wie auch die Kunst“ überfordere. Er adressierte demgegenüber das Konflikteld innerinstitutioneller Widersprüche: Obwohl sie den Willen formulierten, sich zu öffnen, spiegelten und reproduzierten sie weiterhin gesellschaftlich existente soziale und kulturelle Segregation und hierarchische Strukturen. Hier könne Kunst eine interessante Funktion einnehmen indem sie Verhältnisse „tatsächlich sichtbar“ mache.

Die Moderatorin stellte kurz Rena Rädle vor, Künstlerin und soziale Aktivistin aus Belgrad, die zunächst auf ihre partizipative, kollaborative Praxis einging und dann explizit über strukturelle Machtmechanismen bei (so genannten) partizipativen Projekten reflektierte – ein Thema, welches bereits in allen Beiträgen unausgesprochen mit schwang. Sie forderte deutlich vor allem eine Festlegung der Rollen der Akteure und Transparenz.

Als letzte im Bunde wurde schließlich Kate Squires gebeten, aus ihrer Erfahrung mit der gallery education in England und besonders von ihrer Rolle als communities curator der White Chapel Gallery London zu berichten, um eine Vergleichsperspektive auf die Situation in Deutschland einzuführen. Sie beschrieb ihre Aufgabe vor dem Hintergrund eines wichtigen Regierungspapiers Ende der 1990er Jahre, das partizipativen Kunstprojekten eine positive Wirkung auf sozial benachteiligte Bevölkerungsgruppen zusprach und unter dieser Prämisse umfangreiche Förderung bereit stellte, „art projects with a social aspect“ zu entwickeln. Eine solche Verknüpfung einer politischen Agenda mit künstlerischer und Bildungsarbeit allerdings sei problematisch hinsichtlich des Anspruchs, was künstlerische Projekte leisten müssten, und vor allem aufgrund der vorgenommenen Zuschreibungen. Die Frage, wessen Werte und Interessen eigentlich vermittelt oder verhandelt würden, stellte sich Kate Squires zentral. Damit adressierte sie ein Thema, das in den Beiträgen aller Beteiligten aufschien und das sich in der folgenden Diskussion und den Abschlussstatements fort schrieb.

Veronika Gerhard stellte aus ihrer Erfahrung fest, dass gemeinsame Arbeit nur funktioniere, wenn man die jeweiligen Interessen, Selbstverständnisse, Aufgaben gleichberechtigt verhandele. Peter Winkels führte erneut institutionelle Widerstände und existente Wertekonflikte ins Feld, die ein gleichberechtigtes Verhandeln verunmöglichen. Woraufhin Volkan T. deutlich seinem Erschrecken über das auf dem Podium z.T. formulierte seiner Meinung nach veraltete (reaktionäre) Verständnis von Kultur Ausdruck verlieh.

Rena Rädle band die Diskussion an ihr Thema zurück indem sie grundsätzlich fragte, ob das Konzept, sozialer Wandel könne durch eine institutionelle Förderung künstlerischer Projekte oder Projekte der kulturellen Bildung initiiert und unterstützt werden, überhaupt funktionieren könne. Einige Projekte aus dem Bereich hätten tatsächlich Beeindruckendes geleistet, setzte Kate Squires diese Überlegung fort, die Schwierigkeit sei allerdings, aus Institutionen heraus einen Rahmen zu entwickeln, der nicht eine Struktur aufdrücke, sondern Freiräume lasse. Konkret eine bessere Vergabepraxis und Längerfristigkeit der Projekte wünschte sich Bettina Busse in diesem Zusammenhang.
An diesem Punkt öffnete die Moderatorin die Diskussion für das Publikum. Es gab drei
Beiträge, sämtlich von Künstler_innen, die sich in unterschiedlichen Projekten kultureller Bildung engagieren. Der erste Beitrag war ein Aufruf zu Bescheidenheit, die Vorstellung, durch Kunst die Gesellschaft verändern zu können, sei eine Anmaßung. Es müsse vielmehr darum gehen, entsprechende Rahmen zu schaffen, welche die Entwicklung transparent und (selbst-)reflexiv aufgestellter offener Projekte und Prozesse fördern. Die beiden folgenden Beiträge knüpften jeweils an Ausführungen zu künstlerischer Projektarbeit in Schulen an, hier wurde u.a. darauf verwiesen, dass die Ergebnis-/Resultatorientierung der aktuellen Förderantragskultur der notwendigen Offenheit und Entwicklungsmöglichkeit, die künstlerische Prozesse und Bildungsprozesse brauchen, entgegen steht.
Nach einer Stunde schloss die Moderatorin die Diskussion, nicht ohne zu bedauern, dass viele Themen nicht hatten angesprochen werden können, und bedankte sich bei allen Teilnehmenden für ihre Beiträge.

Silke Feldhoff

Podium 1: Die SprecherInnen – zweiter Teil

Bettina Busse, Kulturamt Neukölln

Rena Raedle, Künstlerin und soziale Aktivistin

Kate Squires, Künstlerin, Kuratorin

Aus dem Publikum: Barbara Eitel, Künstlerin